Женщины-классики: 17 художниц, которых вы не знали

Первая известная флорентийская художница эпохи Возрождения была монахиней флорентийского монастыря Святой Екатерины Сиенской, а впоследствии стала его настоятельницей. В отличие от большинства монастырских художниц, ее творчество не ограничивалось иллюстрацией манускриптов — она писала многофигурные полотна большого формата на религиозные сюжеты, причем живописи она училась самостоятельно, копируя работы других мастеров. Художница, надолго забытая историей искусств во многом из-за небольшого количества сохранившихся произведений, была тем не менее довольно популярна в свое время. Например, Джорджо Вазари отмечал ее работы в «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Причем он, вполне в духе феминистской критики искусства, писал, что Плаутилла Нелли «могла бы создать чудесные вещи, если бы она, подобно мужчинам, имела возможность учиться и заниматься рисунком и воспроизводить живую натуру». Работы художницы можно увидеть в Галерее Уффици, где в рамках долгосрочной выставочной программы по исправлению исторической несправедливости к женщинам открылась выставка «Плаутилла Нелли. Монастырское искусство и благочестие по следам Савонаролы» (до 4 июня).

Женщины-классики: 17 художниц, которых вы не знали

В Международный женский день The Art Newspaper Russia вспоминает художниц разных эпох, остававшихся в тени более успешных коллег-мужчин

Вопрос, почему в истории искусств не было великих художниц, до сих пор не теряет актуальности, хотя арт-критик Линда Нохлин ответила на него еще в 1971 году в одноименном эссе. Наша редакция, со своей стороны, решила вспомнить художниц прошлого, которые занимались живописью, скульптурой, работой по ткани — словом, искусством, несмотря на недоступность образования, отсутствие прав и пренебрежение современников.

Плаутилла Нелли (1524–1588)

Плаутилла Нелли. «Святая Екатерина с цветком». Courtesy of The Uffizi Gallery

Первая известная флорентийская художница эпохи Возрождения была монахиней флорентийского монастыря Святой Екатерины Сиенской, а впоследствии стала его настоятельницей. В отличие от большинства монастырских художниц, ее творчество не ограничивалось иллюстрацией манускриптов — она писала многофигурные полотна большого формата на религиозные сюжеты, причем живописи она училась самостоятельно, копируя работы других мастеров. Художница, надолго забытая историей искусств во многом из-за небольшого количества сохранившихся произведений, была тем не менее довольно популярна в свое время. Например, Джорджо Вазари отмечал ее работы в «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Причем он, вполне в духе феминистской критики искусства, писал, что Плаутилла Нелли «могла бы создать чудесные вещи, если бы она, подобно мужчинам, имела возможность учиться и заниматься рисунком и воспроизводить живую натуру». Работы художницы можно увидеть в Галерее Уффици, где в рамках долгосрочной выставочной программы по исправлению исторической несправедливости к женщинам открылась выставка «Плаутилла Нелли. Монастырское искусство и благочестие по следам Савонаролы» (до 4 июня).

Катерина ван Хемессен (1528 — после 1587)

Катерина ван Хемессен. «Портрет женщины». Courtesy of Rijksmuseum, Amsterdam

Фламандская художница была дочерью довольно известного мастера Яна ван Хемессена, который и обучил ее живописи. В основном писала портреты, но сохранились и ее картины на религиозные сюжеты (писать их было более престижно, чем жанровые вещи). Ей принадлежит один из самых ранних в Северной Европе автопортретов за работой (подчеркивать общественное положение художника было не принято, как и демонстрировать рабочие инструменты). Художница была достаточно успешна в свое время: она входила в гильдию святого Луки и даже имела трех учеников. Позднее, примерно в 1540-х годах, Катерина ван Хемессен стала придворной художницей Марии Австрийской. Высокое покровительство обеспечивало ей свободу от контроля гильдии и приличное содержание, а после смерти Марии Австрийской в 1558 году Катерина ван Хемессен получала пенсию, обеспечивавшую ей комфортное существование.

Софонисба Ангвиссола (около 1532 — 1625)

Софонисба Ангвиссола. Courtesy of The Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

Софонисбу Ангвиссолу от многих профессиональных художниц отличает происхождение: она родилась в аристократической семье, в то время как большинство ее коллег были дочерями художников, которые и обучали их ремеслу. Как и все пять ее сестер, она получила разностороннее образование, включавшее живопись, по одной из версий, из-за того, что в семье долго не рождался наследник, а обеспечить шестерых дочерей приданым было сложно. Преуспеть в профессиональном занятии живописью, впрочем, удалось только Софонисбе, в немалой степени благодаря активному содействию отца, просившего о поддержке молодой художницы авторитетных мастеров, в том числе Микеланджело. В качестве придворной художницы она почти 15 лет служила при испанском дворе, где имела высокий статус, судя по тому, что перед ее возвращением в Италию король Филипп II выбрал ей в мужья состоятельного сицилийского аристократа и обеспечил приданым. Художница специализировалась на портрете, поскольку не могла состязаться с мужчинами в изображении многофигурных композиций: женщинам было запрещено изучать обнаженную натуру. В своих работах она совмещала традиции итальянского и испанского портрета, из-за чего многие картины Ангвиссолы в XIX веке, когда интерес к ее творчеству практически пропал, ошибочно приписывались Алонсо Санчесу Коэльо, работавшему при испанском дворе приблизительно в тот же период, Джованни Морони и даже Тициану. Первая большая персональная выставка художницы состоялась только в 1994 году, примерно на это же время пришлась реабилитация ее имени в истории искусств.

Мариетта Робусти (около 1560 — 1590)

Мариэтта Робусти. «Автопортрет». Courtesy of The Uffizi Gallery

Старшая дочь Якопо Робусти, больше известного как Тинторетто. Художник сам обучал ее, и впоследствии она работала в его мастерской. Биограф Тинторетто Карло Ридольфи писал, что Мариетта в детстве переодевалась в мальчика, чтобы везде сопровождать отца. О ее жизни известно немного, как и о творчестве. Сохранилась всего одна точно атрибутированная работа Мариетты Робусти — «Портрет пожилого мужчины с мальчиком» (около 1585), долго считавшаяся полотном Тинторетто, пока в 1920 году на нем не обнаружили монограмму художницы. Идентификацию ее произведений затрудняет схожесть манеры с отцовской и отсутствие достоверных описаний того, в создании каких именно работ художника она принимала участие. Об успешности Мариетты можно судить по тому, что дважды ее приглашали стать придворной художницей — Филипп II и Максимилиан II, и оба раза отец не отпустил дочь, а уехать по своей воле она не имела права. Вместо службы при дворе Тинторетто выдал ее замуж за венецианского ювелира Якопо Аугуста. Небольшое количество сохранившихся работ объясняется и непродолжительностью жизни художницы: она умерла в возрасте примерно 30 лет, предположительно при родах.

Юдит Лейстер (1609–1660)

Юдит Лейстер. «Автопортрет». Courtesy of National Gallery of Art, Washington DC

Почему Юдит Лейстер стала художницей и у кого она училась живописи (ее отец был пивоваром), неизвестно. Однако в 1633 году она вступила в харлемскую гильдию святого Луки и стала в ней единственной женщиной, у которой была собственная художественная мастерская и ученики мужского пола. В 1636 году художница вышла замуж за своего коллегу Яна Минсе Молинара и практически перестала заниматься живописью, по крайней мере самостоятельно. Творческое наследие Юдит Лейстер, писавшей в основном жанровые сцены, как это часто случалось с художниками-женщинами, после ее смерти практически растворилось: многие работы были утеряны, еще часть приписывалась другим авторам. Например, «Веселая пара» (1630) до 1893 года считалась одной из лучших работ Франса Халса, и именно под его именем картину купил Лувр. А амстердамский Рейксмузеум приобрел в качестве одной из самых известных работ того же Халса ее «Веселого хозяина» (1629).

Мэри Бил (1633–1699)

Мэри Бил. «Портрет неизвестной». Courtesy of Moyse’s Hall Museum

Мэри Бил считается первой профессиональной художницей Англии, и, что особенно примечательно, именно ее труд приносил основной доход семье. Муж художницы помогал ей в мастерской и занимался административной частью работы. В свое время она считалась одной из лучших портретисток Англии, ее картины высоко оценивал популярный тогда придворный художник Питер Лели, с которым она дружила и чье художественное влияние испытала.

Мэри Мозер (1744–1819)

Мэри Мозер. «Натюрморт». Courtesy of British Royal collection

Менее известная современница Ангелики Кауфман была второй женщиной-основательницей Королевской академии художеств. На знаменитом групповом портрете академиков (1771–1772) Иоганна Цоффани она представлена портретом рядом с изображением Кауфман — женщины-академики, очевидно, не могли участвовать в сцене с обнаженными моделями-мужчинами, поэтому художник обозначил их присутствие портретами. Как и Кауфман, Мэри Мозер имела швейцарское происхождение, правда, в отличие от первой, родилась в Лондоне, в семье художника по эмали Джорджа Майкла Мозера, чьи связи в немалой степени помогли карьере его дочери. Первую медаль Королевского общества искусств она получила в 14 лет за рисунки цветов. На изображении цветочных натюрмортов она сосредоточилась и в дальнейшем, став одной из всего лишь двух художников с такой специализацией в академии.

Мари-Дениз Вильер (1774–1821)

Мари-Дениз Вильер. «Рисующая молодая женщина». Courtesy of Metropolitan Museum of Art

Как это часто бывало с художницами, работы Мари-Дениз Вильер практически не сохранились, а биография известна отрывочно. Ее сестры также занимались живописью, сама она обучалась у Анн-Луи Жироде-Триозона и, возможно, у Жака Луи Давида, который не только брал в ученицы женщин, но и поощрял их интерес к историческим сюжетам. Он подталкивал художниц к участию в салонах, куда после Великой Французской революции им был открыт широкий доступ. Мари-Дениз Вильер в салонах участвовала неоднократно, однажды удостоившись премии в 1,5 тыс. франков. Копию ее представленной на одном из салонов картины «Ребенок в колыбели, уносимый наводнением месяца нивоз X года» заказывал князь Николай Юсупов для Архангельского. Cамая известная картина Вильер «Рисующая молодая женщина» (1801) из Метрополитен-музея долгое время считалась работой Давида и прошла целую серию переатрибуций — от Франсуа Жерара до другой ученицы Давида, Констанс Карпентье.

Роза Бонер (1822–1899)

Роза Бонёр. «Пахота в Невере». Courtesy of Musée d’Orsay

Была, пожалуй, самой успешной художницей XIX века и одним из наиболее известных художников-анималистов. Ее отец — учитель рисования — принадлежал к школе сенсимонистов, провозглашавших идеалы женского равенства. «Почему я не могу гордиться тем, что я женщина? Мой отец, ярый приверженец гуманизма, много раз говорил мне, что роль женщины — возвысить род человеческий, что женщина есть Мессия грядущих веков. От него, из его учения я узнала о великом, благородном предназначении пола, принадлежностью к которому я горжусь и независимость которого буду отстаивать до последнего дня моей жизни…» — говорила Роза Бонер. Вся ее жизнь шла вразрез с традиционными представлениями о женственности: она не вышла замуж, объясняя отказ от брака нежеланием терять независимость, носила брючный костюм (оправдывала спецификой работы с животными) и жила с женщинами, хотя лесбиянкой себя никогда не называла. Международный успех пришел к ней после показа на Салоне в 1853 году полотна «Ярмарка лошадей». Позднее королева Виктория организовала приватный показ этой картины в Букингемском дворце, и вообще в Великобритании работы Бонер пользовались даже большей популярностью, чем в ее родной Франции. Впрочем, на родине она стала первой художницей, получившей орден Почетного легиона, а среди других ее наград были испанский орден Изабеллы Католической и орден Леопольда Бельгийского, что подтверждает ее международную известность.

Марианна Норт (1830–1890)

Марианна Норт. Nepenthes northiana. Phillips, A., A. Lamb & C.C. Lee Publishing 2008

Путешественница и ботанический иллюстратор, Марианна Норт не была художницей в строгом смысле слова: она не получила профессионального образования. В детстве и юности Марианна часто посещала Королевские ботанические сады Кью, директор которых был другом ее отца, где изучала тропическую флору. После смерти родителя Марианна Норт, которой на тот момент было почти 40 лет, получила солидное наследство, оно позволило ей не выходить замуж и путешествовать почти всю оставшуюся жизнь. К браку она питала глубокое отвращение, считая, что он превращает женщину в «кого-то наподобие старшей прислуги». Почти четверть века, с 1871 по 1885 год, она посвятила путешествиям по всему миру и изображению растений. Свои находки Норт писала маслом, хотя жанр ботанической иллюстрации подразумевал графику, и изображала растения в их естественной среде, а не на белом фоне, как было принято тогда. В отсутствие цветной фотографии ее работы с тщательно прорисованными деталями были полезны в научных целях. Своими ботаническими находками Марианна Норт делилась с Чарльзом Дарвином, а работы передала Королевским ботаническим садам Кью, где на ее же средства специально для них была построена галерея.

Харриет Пауэрс (1837–1911)

Харриет Пауэрс. «Библейское полотно». Courtesy of Museum of Fine Arts, Boston

Харриет Пауэрс родилась в рабстве на территории штата Джорджия. Она совмещала традиционную американскую технику квилта с аппликацией, имеющей восточноафриканские корни, и создавала уникальные лоскутные полотна. Сохранились всего две ее работы, в которых она обращалась к библейским сюжетам, местным легендам и, по не до конца понятным причинам, астрономическим явлениям. Первое ее произведение — «Библейское полотно» (1885–1886) — купила художница Дженни Смит, заметив его на выставке хлопка в Атенсе в 1886 году. Тогда Пауэрс отказалась расставаться с работой, однако четырьмя годами позже из-за финансовых трудностей была вынуждена продать ее, пояснив смысл изображенных сюжетов: все они были взяты из Библии. Сюжеты второй из известных работ Харриет Пауэрс позаимствованы не только из Библии, но и из легенд, в ней она также изобразила стихийные бедствия и даже некоторые события американской истории. После отмены рабства у Пауэрс и ее мужа была небольшая ферма и примерно полтора гектара земли, но в 1890-х благосостояние семьи стало ухудшаться, муж начал продавать землю, а потом и вовсе бросил жену с детьми. Больше она замуж не выходила и до конца жизни, скорее всего, жила на доходы от шитья.

Мэри Кассатт (1844–1926)

Мэри Кэссет. «Чаепитие». Courtesy of Museum of Fine Arts, Boston

Большую части жизни проведя во Франции, Мэри Кассатт была одной из первых женщин (и единственной американкой), примкнувших к находившимся на тот момент в оппозиции к официальному искусству импрессионистам. Несмотря на вполне академическое художественное образование (она училась у салонного художника Жана Леона Жерома и сама неоднократно выставлялась на Салоне), Кассатт приняла приглашение Эдгара Дега присоединиться к независимой группе художников. Под влиянием Дега изменила технику письма и тематику своих работ, начав писать в основном матерей с детьми, которые и стали главным мотивом ее творчества. Помимо непосредственно живописи, Кассатт выступала в роли арт-консультанта коллекционеров. Благодаря ее советам собрание Генри Осборна Хэвемайера и его жены Луизины, большая часть которого сейчас хранится в Метрополитен-музее, пополнилось работами Дега, Эдуарда Мане, Камиля Писсарро и Клода Моне.

Эмилия Шанкс (1857–1936)

Эмилия Шанкс. «Новенькая в школе». Государственная Третьяковская галерея

Первая из двух женщин, принятых в Товарищество передвижных художественных выставок (второй была Антонина Ржевская), родилась в семье успешного английского предпринимателя Джеймса Шанкса, владельца ювелирной мастерской и магазина в Москве. Посещала Московское училище живописи, ваяния и зодчества в качестве вольнослушательницы, ее учителями были Владимир Маковский, Илларион Прянишников и Василий Поленов, с которым она продолжала дружить и после окончания училища в 1890 году. Параллельно живописи Эмилия Шанкс увлекалась фотографией, снимая в основном сельский быт и природу. С 1891 года выставлялась вместе с передвижниками, и уже в 1892 году ее работу «Новенькая в школе» высоко оценил Илья Репин, а Павел Третьяков приобрел ее в свою коллекцию. В 1894 году Эмилию Шанкс 15 голосами (больше, чем за Валентина Серова) избрали членом Товарищества передвижных художественных выставок. Накануне Первой мировой войны она вместе с семьей вернулась в Лондон, где продолжила выставляться в Королевской академии художеств.

Мария Башкирцева (1858–1884)

Мария Башкирцева. «Зонтик». Courtesy of The Russian Museum

Известна в основном благодаря своему дневнику, особенно популярному в начале XX века: поклонницей Башкирцевой была Марина Цветаева, его высоко оценивали Валерий Брюсов и Сергей Андреевский. Большую часть жизни Башкирцева, родившаяся в Полтавской губернии, прожила во Франции, куда ее в детстве увезла мать после расставания с отцом художницы. Юная Мария хотела стать балериной, затем певицей и даже начала делать шаги в этом направлении, но в 16 узнала, что больна туберкулезом, а лет с 18-ти из-за болезни стала терять сначала голос, а потом и слух. Примерно тогда же Мария, больше всего мечтавшая о славе, решила заняться живописью и поступила в частную Академию Жюлиана (Национальная высшая школа изящных искусств была по-прежнему недоступна для женщин). Свое художественное образование она оценивала невысоко. «Я обречена на одиночество или на посредственность женской мастерской, — пишет она в дневнике. — Здесь вас не толкают вперед, не поощряют, и вы гниете на месте. Ах, почему я только женщина?» Она активно выступала против закрытости для женщин системы академического художественного образования и даже написала об этом статью в журнал «Гражданка» под псевдонимом Полин Орель. Тем не менее художница выставлялась на Салоне, а ее работы приобрел Лувр. Скончалась Мария Башкирцева в 25 лет от чахотки, успев создать около 150 картин, 200 графических работ и немного скульптуры, из которых сохранилась небольшая часть, многое погибло во время Второй мировой войны.

Мария Якунчикова (1870–1902)

Мария Якунчикова. Выполненное по эскизу художницы настенное лоскутное панно. Courtesy of Christie’s

Мария Якунчикова родилась в семье предпринимателя Василия Якунчикова и Зинаиды Мамонтовой. Савва Мамонтов приходился ее матери двоюродным братом, а родная сестра Зинаиды Вера была замужем за Павлом Третьяковым, так что шансов остаться в стороне от искусства у будущей художницы практически не было. Живописью она увлеклась уже в детстве — для обучения детей Якунчиковых был нанят художник Николай Мартынов. В 15 лет пошла вольнослушательницей в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и вскоре сблизилась с семьей Поленовых (ее старшая сестра Наталья в 1882 году вышла замуж за Василия Поленова), регулярно участвуя в их рисовальных вечерах. Особенно дружна Якунчикова была с младшей сестрой художника Еленой Поленовой, которая увлекалась народным искусством сама и увлекла Якунчикову. Когда Марии было 18 лет, у нее обнаружили туберкулез. Врачи рекомендовали сменить климат, и Якунчикова переехала в Европу, бывая с тех пор в России только наездами. В Париже она поступила в Академию Жюлиана, а приезжая на родину, жила и работала у Поленовых в Бехове и у Мамонтовых в Абрамцеве, где немало внимания уделяла декоративно-прикладному искусству, особенно керамике и выжиганию по дереву. В 1896 году вышла замуж за врача Леона Вебер-Баулера, через два года у них родился первый сын. В это же время Сергей Дягилев пригласил Марию Якунчикову принять участие в «Выставке русских и финляндских художников» и заказал ей обложку для журнала «Мир искусства». В 1900 году она участвовала в оформлении кустарного отдела русского павильона Всемирной выставки в Париже, где ее работа получила серебряную медаль. Но вскоре у сына Якунчиковой обнаружили туберкулез, а рождение в 1901 году второго ребенка подорвало ее здоровье окончательно — в 1902 году художница умерла. «Она была характерно-русской женщиной с типично-русским дарованием… Лишь только она начала развиваться как художница, она вышла замуж, затем — дети, затем — серьезная болезнь сына и, наконец, смерть. Якунчикова мало успела, особенно по сравнению с тем, что могла. Но во всем, что она, впопыхах, между детскими пеленками и шумом Парижа имела время сделать — она выказывала глубину чудесного дарования, чутья и любви к далеким от нее русскими лесам, этим „елочкам и осинкам“, к которым она относилась с каким-то благоговением и к которым стремилась всю жизнь», — писал о Якунчиковой Сергей Дягилев.

Эльза фон Фрейтаг-Лорингхофен (1874–1927)

Эльза фон Фрейтаг-Лорингхофен. Courtesy of Library of Congress

Эльза Плёц родилась в Германии в семье строителя и политика, который вел разгульную жизнь и бил ее мать. Заразившись сифилисом, последняя пыталась покончить с собой и позже умерла в психиатрической больнице. Как говорила Эльза, мать «оставила мне в наследство… борьбу». Она была трижды замужем и все три раза неудачно. Последний супруг Эльзы — Леопольд Карл Фридрих барон фон Фрейтаг-Лорингхофен, за которого она вышла уже в Америке, сбежал, прихватив ее ничтожные сбережения и оставив ей свой титул и возможность войти в аристократические круги Нью-Йорка. Всю свою жизнь Эльза превратила в дадаистское произведение искусства: она писала стихи, устраивала перформансы, создавала скульптуры и коллажи из найденных на помойке предметов. Художник Джордж Бидл в 1917 году описывал ее комнату в Нью-Йорке как забитую «какими-то разрозненными железками, автомобильными шинами… урнами для мусора, наводившими ужас и отвращение, которые для ее истерзанного, но чрезвычайно чувствительного восприятия стали объектами прекрасного…» «Для меня ее комната была так же органична, как, например, студия Бранкузи в Париже», — говорил он. Существует теория, что легендарный «Фонтан» принадлежал именно руке Эльзы, а Марсель Дюшан всего лишь присвоил себе авторство — подробнее об этом можно прочитать в нашем материале.

Елена Киселева (1878–1974)

Елена Киселева. «Девушки на выданье». Courtesy of MRI

Елена Киселева, чьи работы стали известны широкой публике благодаря выставке в Музее русского импрессионизма (до 12 марта), имела все шансы войти в историю отечественного искусства: выпускница Императорской академии художеств, обучалась в мастерской Ильи Репина, стала первой женщиной, в 1907 году получившей заграничное пенсионерство, а в 1910 году принятой в Общество архитекторов-художников. Писала в основном портреты. «Композиция или пейзаж мне были мало интересны. Я всегда была портретисткой и страстно любила изображать красивых, интересных женщин», — признавалась Киселева. Забвению художницы немало способствовала эмиграция в Королевство сербов, хорватов и словенцев (будущую Югославию), куда она переехала с мужем в 1920 году. Об этом времени она писала: «Жизнь давно забрала меня всю целиком, и художницей я была как-то сбоку, в стороне. А главное, была очень сложная, трудная жизнь. А тут революция, война, беженство. В это трудное время у меня создалась новая семья, родился сын, — где уж тут было думать о художестве». После смерти сына в 1944 году она и вовсе перестала заниматься живописью. Наследием Елены Киселевой в конце 1960-х годов заинтересовалась воронежский искусствовед Марина Лунева, которая переписывалась с художницей и активно способствовала возвращению части ее работ на родину.

5. Читра Ганеш (Chitra Ganesh)

Топ-10 современных
художниц

Подобно многим другим сферам культуры искусство — это область, в которой доминируют мужчины. Обращали ли вы внимание на то, что практически не знакомы с именами художников-женщин? Если вдруг вас попросят назвать пару-тройку известных живописцев, то вам на ум, скорее всего, придут имена исключительно мужчин: Да Винчи, Пикассо, Айвазовский.

Но почему же в этом перечне нет женских имён? Разве может быть так, что женщины совсем не достигли высот в данном направлении? В действительности, женщин-художников на самом деле меньше, чем мужчин, а известными стали лишь немногие.

Буквально век назад женщины имели право голоса далеко не во всех областях, даже образование у них сильно отличалось от мужского, поэтому добиться успеха им было сложнее, в том числе и в искусстве. За последние десятилетия ситуация изменилась. Сегодня художницы вносят огромный вклад в развитие искусства, их имена не упускаются из виду, а их произведения имеют успех и признаны в обществе. Женщины, безусловно, участвуют в формировании будущего современного искусства. Кто же они, современные художницы?

1. Барбара Крюгер (Barbara Kruger)

Американская художница-концептуалист Барбара Крюгер — женщина, которая без труда сочетает свой смелый феминизм с красноречием, чтобы передать мощные идеи через свои произведения искусства.

Она широко известна своими работами, состоящими из монохромных фотографий, на которые наложены лозунги, посвященные культурным конструкциям власти, идентичности и пола. Основная тема работ Барбары — контроль и его влияние в разных сферах человеческой деятельности. Она сделала слово своим главным художественным приемом.

Для создания своих уникальных работ она собирает фотографии, в основном черно-белые, из журналов и других источников и накладывает на них смелые сообщения. Барбара свободно использует красный цвет в своих работах, сразу же привлекая внимание зрителя, передавая ощущение срочности и неизбежной опасности.

Самая знаменитая серия ее работ — это плакаты, на которых изображены женщины, а поверх их лиц провокационные лозунги, разоблачающие патриархальный строй в обществе. Плакаты выполнены в трех цветах: красный, черный и белый. Стоит отметить, что подобная палитра характерна для пропагандистских плакатов. Крюгер также затрагивает проблему абортов. Она стремится утвердить право женщины на распоряжение своим телом и задаётся вопросом, почему нерожденный имеет больше прав, чем его мать.

2. Яёи Кусама (Yayoi Kusama)

Яёи Кусама — японская художница, известная во всем мире благодаря своему психоделическому искусству, основанному на повторениях, которое она создает при помощи живописи, коллажной скульптуры, инсталляции и перформансов.

У Яёи было непростое детство: мать применяла к ней физическое насилие, что не могло не сказаться на психике ребёнка. Галлюцинации, навязчивые и суицидальные мысли появились у неё с детства. По совету врачей Кусама занялась рисованием. Окончив школу искусств и ремёсел в Киото, она заинтересовалась европейским и американским авангардом, и вскоре переехала в Нью-Йорк. Амбициозная художница с психической болезнью быстро создала себе яркий публичный имидж. Она стремительно завоевала репутацию лидера авангардного движения. Яёи Кусама считается предшественником поп-арта, её работы оказали большое влияние на Энди Уорхола и Класа Ольденбурга.

Одна из её самых масштабных персональных выставок прошла в лондонской галерее Victoria Miro в 2016 году под названием «Вся моя вечная любовь к тыквам». Экспозиция картин включает три зеркальных пространства — знаковые инсталляции Кусамы.

Эта инсталляция передает опыт с детства мучивших художницу галлюцинаций, включая видения о плывущих по воздуху предметах и замкнутом пространстве. Художница воплощает беспокойство и чувство тревоги с помощью точек, повторений, зеркал и ярких красок. Работа выражает мысли Кусамы о жизни, смерти и бесконечности.

3. Сара Лукас (Sarah Lucas)

Сара Лукас — британская художница, представитель движения «Молодые британские художники». С начала 1990-х годов она высмеивала британскую культуру, сексуальность и гендерные стереотипы. Часто используя найденные предметы, она делает конфронтационные, непристойные скульптуры, инсталляции, фотографии и смешанные работы на бумаге, полные фрейдистских подтекстов.

Своими скульптурами она откровенно заявляет об озабоченности современного общества и масс-медиа сексом, насилием, смертью. Еда, мебель, колготки и сигареты являются наиболее распространенными объектами, которые она включает в свою работу, превращая их в уродливые, гиперсексуализированные гениталии и фрагментированные человеческие тела. Ей удаётся создать зачастую непристойные и не лишенные юмора объекты, указывающие на неравноправие полов и стереотипы, которыми полны представления людей о сексе и отношениях между мужчиной и женщиной.

В 1994 году Сара представляет миру Au Naturel — еще одну грубую (во всех смыслах этого слова) скульптуру из повседневных материалов. На этот раз старый матрас привален к стене. На левой половине матраса две дыни (груди), под ними ведро (вагина). Справа, параллельно ведру, вертикально поставленный огурец и два апельсина, выложенные по обе стороны от него (думаю, тут объяснять ничего не надо).

4. Трейси Эмин (Tracey Emin)

Трейси Эмин — одна из самых выдающихся членов группы «Молодых британских художников», которая создает глубоко чувственные произведения, вдохновленные собственными эмоциями и опытом.

Во время обучения в Королевском колледже искусств в Лондоне Трейси Эмин создает множество картин, вдохновленных работами Эгона Шиле и Эдварда Мунка, которые она позже уничтожает в результате вспышки ярости.

Эмин обрела известность в конце 1990-х годов, когда получила широкое освещение в СМИ инсталляция «Моя кровать», состоящая из ее собственной неубранной постели. По словам художницы, в этой кровати она провела несколько дней в депрессии после очередной ссоры с парнем. На кровати лежит смятое и грязное постельное белье с большим количеством желтых пятен. Вокруг раскиданы самые разные предметы: тапочки, пачки сигарет, пустая бутылка из-под водки, нижнее белье со следами менструальной крови, противозачаточные таблетки, использованный презерватив и детская игрушка. Эмин позволила застать себя врасплох и представить широкой публике все то, что обычно прячут от посторонних взглядов. Таким образом она поставила под сомнение привычные границы личного и общественного, искусства и жизни.

С тех пор Эмин создает рисунки и неоновые инсталляции, которые рассказывают личные истории художницы.

5. Читра Ганеш (Chitra Ganesh)

Читра Ганеш — художница из Нью-Йорка, имеющая индийское происхождение. В своих работах Ганеш опирается на индийскую и греческую мифологию и популярную культуру, чтобы изобразить сюжеты из прошлого и представить новые видения будущего.

Обширные и сложные, полные уныния и красоты, а также ослепительных, запутанных деталей, широкие работы Читры Ганеш сосредоточены на маргинальных и исключительных фигурах. Матери, жрицы, ведьмы, героини, воины и богини — являются главными героями ее работ.

6. Синди Шерман (Cindy Sherman)

Синди Шерман — популярная современная американская художница, работающая в технике постановочных фотографий. Поначалу у Синди не было не было денег, она не могла нанять моделей, поэтому стала снимать саму себя. В своей работе она примеряет сразу несколько ролей: фотографа, модели, визажиста, парикмахера и стилиста. Обладая арсеналом париков, костюмов, макияжа и прочего реквизита, Шерман ловко меняет свой облик, создавая множество интригующих картинок и персонажей, от милой домохозяйки до страстной любовницы. Художница запечатлевает себя в различных обличьях и персонажах.

Шерман как сторонница феминизма исследует роль женщины в обществе, её предназначение и влияние. И это беспроигрышный ход.

7. Нджидика Акуниили Кросби (Njideka Akunyili Crosby)

Нджидика Акуниили Кросби — американская художница родом из Нигерии. В своих работах Нджидика использует исторические и политические особенности США и Нигерии, исследует различия поколений на примере собственной семьи. Вдохновение она черпает совершенно из всего: причесок, украшений, архитектуры, моды. Через искусство она осмысляет опыт человека, осваивающегося на новой родине, но при этом пытающегося сохранить свои культурные традиции.

8. Элизабет Пейтон (Elizabeth Peyton)

Элизабет Пейтон — американская художница, известная благодаря своим стилизованным и идеализированным портретам знаменитостей. Популярность к Элизабет пришла в середине 90-х. На протяжении этого времени она нарисовала огромное количество известных людей в своем узнаваемом стиле: каждая модель имеет яркие алые губы и бледную кожу, все они похожи были на идеализированные феминизированные версии мужественности. Создавая картину, художница изучает огромное количество фотографий своих моделей, чтобы проникнуться характером и особенностями личности.

9. Бриджет Луиза Райли (Bridget Louise Riley)

Бриджет Луиза Райли — современная английская художница, одна из крупнейших представительниц оп-арта. «Её картины превращают процесс видения в праздничное событие, в захватывающий акт откровения. Они заставляют нас почувствовать себя более живыми, выстраивая мост между видением и мышлением» – делится своим восприятием творчества Бриджет Райли директор лондонской Hayward Gallery Ральф Ругофф (Ralph Rugoff). Свои первые работы Райли создает в близком к Сёра стиле, в светящихся точках пуантилизма (до 1960 года). В 1961 году появляются уже полотна с ярко выраженными оптическими эффектами, изображением квадратов и окружностей на плоском пространстве. Свои, как правило, крупноформатные полотна Райли пишет, расходуя значительное время на каждое, вплоть до нескольких месяцев.

10. Дженни Савиль (Jenny Saville)

Дженни Савиль — современная британская художница, еще одна представительница «Молодых британских художников», получила известность благодаря монументальным образам женщин. Ее работы иногда сравнивают с картинами Люсьена Фрейда и Рубенса. Тела и предметы на картинах художницы обычно гораздо больше, чем в натуральную величину. Они сильно пигментированы и дают чувственное ощущение поверхности кожи и массы тела. Нынешняя самая дорогая картина в мире, принадлежащая художнику-женщине и проданная при жизни автора, Propped, — это автопортрет Дженни Савиль, написанный в 1992 году. Он выполнен маслом на холсте размером 213×183 см. Надписи на картине — это цитаты из эссе французской феминистки Люс Иригарей (Luce Irigaray).

История искусства до сих пор не изобилует женскими именами — на прошлой неделе мы разбирались, почему это произошло и есть ли тенденция к изменению такого порядка вещей. Меж тем, художниц, достойных того, чтобы и их работы, и их самих помнили так же отчетливо, как и мастеров мужского пола, не так мало, как кажется на первый взгляд. Вспоминаем для начала самых известных женщин, оставивших свой след в искусстве, о жизненном пути и работе которых полезно будет знать любому.

Мари Элизабет
Луиза Виже-Лебрён

Французская портретистка Мари Элизабет Луиза Виже-Лебрён (или мадам Лебрён) была настолько популярна среди своих современников, что с 15 лет могла на полученные от заказов деньги обеспечивать себя и содержать овдовевшую мать и младшего брата. Художница всегда изображала своих заказчиков в выигрышных позах и элегантных нарядах, благодаря чему (помимо таланта живописца) пользовалась любовью среди французской аристократии. В 1779 году мадам Лебрён написала один из первых портретов молодой Марии-Антуанетты. Позднее она стала одной из приближенных художниц королевы и создала в общей сложности около 30 ее портретов. Вынужденная покинуть Францию в годы революции, Мари Лебрён много путешествовала и провела шесть лет в России, где познакомилась с императрицей Екатериной II. Написать ее портрет художница, однако, не успела — императрица умерла еще до начала выполнения заказа.

Вспоминаем невероятно талантливых женщин-художниц, которые дадут фору многим представителям сильного пола.

Фрида Кало и еще 5 великих художниц, которые покорили мир

Вспоминаем невероятно талантливых женщин-художниц, которые дадут фору многим представителям сильного пола.

Имена этих женщин навсегда вошли в историю, почему — рассказываем в нашем материале.

Фрида Кало (1907 — 1954)

Заядлая коммунистка, экспрессивная и эксцентричная Фрида, любившая смеяться, пить текилу и курить, стала знаменитой незадолго до своей смерти. Сейчас ее картины стоят миллионы долларов, а когда-то чуть ли не единственным поклонником её творчества был муж, тоже художник Диего Ривера.

Так уж вышло, что сегодня автопортреты Кало известны большинству из нас гораздо больше, чем сама художница, а между тем биография мексиканки заслуживает самого пристального внимания. В юном возрасте Фрида пережила тяжёлую аварию — в автобус, где ехала будущая великая художница, врезался трамвай, после катастрофы Кало перенесла больше тридцати операций, несколько лет провела в лежачем положении, не переставая творить. Собственно, именно фантастические автопортреты и покорили её будущего мужа. Работы Фриды Кало, созданные в браке — скрытые послания единственному возлюбленному, мужу, который до конца дней художницы являлся её идейным вдохновителем, соратником, другом. Впрочем, это ей никак не мешало крутить романы за спиной у возлюбленного — творческая натура в привычные рамки не вписывается.

За совсем недолгую жизнь — Фрида умерла в 47 лет, она, не смотря на более чем непривлекательную внешность, успела стать любовницей Троцкого, можно сказать, не выходя из дома; страстно влюбиться в испанского художника и даже очаровать Маяковского. Правда вот к последнему роману Кало у историков много вопросов — вполне вероятно, что его не было и вовсе. Хотя оба были невероятно близки друг другу по духу, и если бы встретились на самом деле — имели все шансы сойтись. Но, увы, о знакомстве поэта и художницы свидетельствует лишь один снимок, о подлинности которого споры не утихают вот уже много десятков лет. И, кажется, никогда не прекратятся вовсе.

Берта Моризо (1841 — 1895)

Париж, галерея Оранжери, Клод Моне — вот первые ассоциации, которые возникают у любителей живописи при упоминании импрессионизма. На деле, об этом направлении мы знаем ничтожно мало, довольствуясь лишь мизерной информацией и собственными пристрастиями, не задумываясь о том, что импрессионизм это не только Моне и Мане. Оказывается, в компании французских первопроходцев жанра фигурируют не только мужские имена.

Её называли «виртуозом цвета», работы Моризо год за годом принимали участие в Салоне — ежегодной парижской выставке Академии изящных искусств. А сегодня художница несправедливо забыта. Берта Моризо, представительница весьма состоятельного буржуазного семейства родилась в 1841-м году, в небольшом французском городке Бурж. Она с детства отдавала предпочтение живописи, так же как и её сестра — обе девочки впоследствии стали художницами. Правда Эдма, в отличие от Берты, больших успехов в профессии не достигла. Берта же, чувствуя зов крови (девушка приходилась дальней родственницей Жану-Оноре Фрагонару, повлиявшему своим творчеством на многие поколения французских живописцев), с головой ушла в профессию, свела близкое знакомство с великими своего времени — Моне, Ренуаром, Сислеем и даже вышла замуж за брата Эдуарда Мане — Эжена. Кстати, именно поэтому Моризо так часто фигурировала в качестве натурщицы на полотнах художника.

Долгое время Берта избегала в своих работах откровенности — природная скромность и строгое воспитание не позволяли ей так же писать обнажённую натуру. В семидесятых годах Моризо обратилась к современности и сразу ушла в неё с головой, создавая, по большому счёту, первые рекламные проспекты.

Мария Башкирцева (1858 — 1884)

Для большинства из нас — Мария Башкирцева в первую очередь автор легендарного дневника, который был переведен на все европейские языки и несколько раз переиздан. Даже сегодня записи, сделанные когда-то никому неизвестной русской девушкой, проведшей в эмиграции большую часть своей жизни, Машей Башкирцевой пользуются у читателей большой популярностью. А между тем Мария Башкирцева — первая русская художница, чьи работы были выставлены в парижском Лувре. Среди них — полотно «Жан и Жак», наиболее известная картина русской художницы. Сегодня, правда, создания Башкирцевой отыскать, довольно проблематично — большая часть уникальных полотен была утеряна или уничтожена во время Первой мировой войны.

Талант Башкирцевой, который без сомнения был уникальным, — Мария помимо прочего имела прекрасные вокальные данные и задатки полиглота, — не успел раскрыться во всю мощь, в возрасте 25 лет художница скончалась от туберкулеза в Париже.

Ангелика Кауфман (1741 — 1807)

Ангелика Кауфман, швейцарский живописец и график конца восемнадцатого века смогла достичь мастерства в одном из самых традиционно «мужских» художественных жанров — исторической живописи — и стала признанным мастером классицизма. Выбрав для себя непростой путь в очень мужской профессии, Ангелика, тем не менее, всегда в первую очередь оставалась женщиной. В 1780-е годы Ангелика Кауфман стала очень известна в Европе благодаря многочисленным портретам знатных особ, в том числе и представителей разных королевских семей. Сцены, написанные Ангеликой Кауфман по мотивам историй классической мифологии, переводились в гравюры, использовались в художественной промышленности. Благодаря этому искусство Ангелики Кауфман стало невероятно популярным — такого признания могли добиться не все мужчины.

Ангелика Кауфман вместе с другой художницей, Мэри Мозер вошли в число основателей британской Королевской академии художеств и на протяжении последующих полутора веков оставались единственными женщинами, получившими в ней членство.

Еще один штрих к портрету художницы: Ангелика была первой женщиной отдавшей довольно большое количество лет профессии, которая сегодня называется дизайнерским искусством: художница в компании приятелей живописцев занималась оформлением богатых особняков.

Зинаида Серебрякова (1884 — 1967)

Представительницы нашей страны отличаются не только ярким талантом, но и удивительно трагическими судьбами. Не стала исключением и Зинаида Серебрякова, чей автопортрет «За туалетом» знаком со школьных времен, наверное, каждому. Похоже, у Серебряковой творческий путь был предопределён ещё задолго до ее рождения: дед и прадед посвятили себя архитектуре, отец занимался скульптурой и живописью, а в дядях числился известный художник и критик Александр Бенуа, так что выбора у девушки просто не было. Решив продолжить творческую династию Серебрякова не ошиблась, правда с семьей художнице пришлось расстаться. Выйдя замуж против воли родителей, Зинаида с супругом вынуждены были уехать во Францию, оставив в России маленького сына — с ним Серебрякова встретится спустя целых 36 лет. Сегодня невозможно представить, что когда-то, автор полотен, которые теперь продаются за баснословные деньги, едва сводила концы с концами в Париже, пытаясь писать портреты на заказ, но благодаря широкой русской душе зачастую просто дарила свои работы заказчикам, снова и снова оставаясь без гроша в кармане. Из-за катастрофической бедности Серебрякова даже вынуждена была самостоятельно изготавливать краски — на магазинные денег не было.

Впервые широкое признание художница получила в возрасте 26 лет, тогда её работы приняли участие в VII выставке «Союза русских художников», но сама Серебрякова присутствовать на выставке не смогла — на Родину она так и не вернулась, хотя всю оставшуюся жизнь страстно мечтала об этом. Сегодня знаменитый автопортрет Серебряковой выставлен в Третьяковской галерее, а картину «За завтраком» (1914), героями которой стали дети Серебряковой, называют одним из лучших детских портретов в истории живописи.

Джорджия О’Киф (1887 — 1986)

Критики приписывали ей тягу к скрытой эротике, любители живописи не признавали в ней мастера своего дела — да и что там в работах этой американки, казалось бы, могло привлечь внимание: пестики, тычинки, громадные цветы, неясные тени и чрезмерное разнообразие цветов. К тому же сама художница признавалась, что терпеть не может то, что рисует — цветы, и использует их в качестве моделей только благодаря дешевизне (на настоящих натурщиков и натурщиц необходимо было тратить большие деньги, которых у О’Киф попросту не было). Так кто же полюбит то, что ненавидит сам автор?

Но, как известно, все новое мы принимаем всегда трудно, и всегда слишком поздно. Сегодня работы художницы уходят с молотка за совершенно космические суммы: в позапрошлом году Картина «Дурман», известная также как «Белый цветок №1», американской художницы Джорджии О’Киф была продана на торгах аукционного дома Sotheby’s в Нью-Йорке за 44,4 миллиона долларов. Полотно поставило ценовой рекорд среди произведений искусства, созданных женщинами.

Большое будущее в работах Джорджии усматривал только её муж, фотограф и галерист Альфред Стиглиц. Он называл ее первой женщиной американского модернизма и говорил, что изображения цветов, костей животных и пустынных пейзажей, которые писала О’Киф, являются неотъемлемой частью мифологии и иконографии американской художественной культуры.

Одна из самых известных женщин-художников. В данном случае, как и с Гончаровой, первоначально ее талант помог раскрыть, к тому времени уже известный и состоявшийся художник Диего Ривера, в последствие ставший ее мужем. Однако в известности Кало во многом превзошла своего учителя и мужа. Ривера признавался впоследствии, что несмотря ни на что, творчество Фриды сразило его с первого раза и на всю жизнь. Как известно Фрида Кало не могла иметь детей после катастрофы, в которую попала в юности. Эта же катастрофа, приковавшая ее на многие месяцы к кровати, способствовала ее все большему увлечению живописью и выработала ее особую, ни с чем несравнимую трагически-тяжелую манеру живописи. Душевная трагедия Фриды, как женщины, которой, несмотря на большое уважение, всю жизнь приносил страдания и сам Диего Ривера, известный ловелас, определила ее триумф как художницы. Сложно представить, каким было бы творчество Фриды и принесло бы оно ей такой же успех, если бы не ее тяжелая женская доля.

11 самых известных женщин-художниц

• Дата публикации: 21 июля 2011
• Текст: Катя Карцева
• Время на прочтение: 6 — 10 мин.

Невооруженным глазом ясно, что женщин художников в истории искусства значительно меньше, чем художников мужчин. Занятный парадокс, ведь современному человеку увлечение рисованием может показаться занятием исключительно женским. Однако, в этом же представлении и кроется ответ – в мировой истории культуры оставили след лишь те женщины, для которых искусство становилось профессией, перечеркивавшей все остальные формы их социальной активности. Действительно, искусство, в еще большей степени, чем любая другая профессия, требует полнейшей отдачи. Женщине, которая лишь недавно добилась эмансипации традиционно отводились другие социальные роли. Заниматься карьерой, работать вообще, женщинам не особенно полагалось. Так и с точки зрения психологии и природы, в определенный момент самым важным делом женщины становится семья и дети. Таким образом, большинство женщин-художников сознательно делали свой выбор не в пользу искусства. Стоит также сказать о том, что карьера многих известных художников была сформирована именно женщинами, находившимися рядом – Гойа и Герцогиня Альба, Дали и Гала (которая также обучалась рисованию будучи в России). Существует также масса примеров, когда женщина-художник перенимала на себя функции менеджера занимаясь продвижением карьеры своего мужа-художника или сына-художника.

В целом считается, что женщина порой просто не может писать так, как мужчина. Например, когда мы смотрим на полотна Ван Гога, Гогена, Сикейроса сразу же чувствуется их исключительно мужская «сильная» линяя и рисунок.

Однако из всех правил всегда есть исключения. Ярчайшие примеры женщин-художниц доказывают то, что в живописи они могут быть ничуть не хуже мужчин. В каком-то смысле их по праву можно называть феминистками от живописи. Даже в те времена, когда этого термина еще не существовало, они добивались успеха, несмотря на массу противоречащих этому факторов.

Софонисба Ангиссола – (ок. 1533 – 1625)

Итальянская художница. Ее жизнь и творчество приходятся на самый значительный период Итальянского Ренессанса, именуемый искусствоведами высоким Возрождением. Таким образом, Ангиссола, пожалуй, наиболее известная художница Итальянского Возрождения. С 1559 года она становится придворной художницей испанского короля Филиппа II. Известна Ангиссола в основном придворными портретами членов королевской семьи. Ее работы находятся в ведущих музеях мира, таких как Прадо в Мадриде и музей Флоренции.

Мари Элизабет Луиза Виже-Лёбрен (1755-1842)

Французская художница. Была придворной художницей королевы Франции Марии Антуанетты, по протекции которой была избрана в члены Королевcкой академии живописи и скульптуры. Впоследствии Лиже-Лебрен писала портреты многочисленных знатных особ таких, как Виллем I – король Голландии, Станислав Понятовский – король Польши, леди Гамильтон – любовницу адмирала Нельсона, княгиню Анну Федоровну – жену князя Константина Павловича второго сына Павла I и других членов российской императорской семьи. Большую известность также имеют ее мемуары, часть которых посвящена воспоминаниям о России, в которой художница провела 6 лет. Писала в основном портреты в жанре рококо и классицизма.

Мари Кэссет (1844-1926)

Американская художница, имя которой по праву стоит в одном ряду с величайшими импрессионистами. Во-первых, будучи дружна с многими из них, она много сделала для их популяризации в Америке. Во-вторых, сама писала в жанре импрессионизма и снискала достаточно большую славу и признание как художник. Лейтмотивом ее творчества был психологический мир женщин, в особенности отношения матери и ребенка.

Сюзанна Валадон – (1865 – 1938)

Французская художница. В детстве работала в цирке акробаткой, но в возрасте 15 лет упала с трапеции и была вынуждена завершить цирковую карьеру. В цирке познакомилась и в дальнейшем выступала натурщицей для Ренуара, Дега, Лотрека и других. Ее портреты встречаются в известных работах данных художников, так что ее внешний вид может оказаться знаком многим. В частности, она изображена на картине Ренуара «Зонтики» в левой части холста, есть и ее персональные портреты, например, «Девушка, плетущая волосы» Ренуара или «Прачка» Лотрека. Воодушевленная Эдгаром Дега Сюзанна сама стала художницей. В 1894 году она стала первой женщиной принятой в Societe National des Beaux-Arts в Париже. Когда она умерла на ее похороны пришли Пабло Пикассо и Жорж Брак. Ее сын Морис Утрилло также снискал большую славу как художник. Писала Валадон, в основном, портреты и пейзажи. Ее работы находятся в собрании центра Жоржа Помпиду в Париже и музее Метрополитен в Нью-Йорке.

Марианна Веревкина (нем. Marianne von Werefkin) (1860-1938)

Русско-немецкая художница. Ученица Репина. Первоначально работала в стиле реализма, достигнув такого мастерства, что была названа «Русским Рембрандтом». В 1888 году на охоте на всю жизнь повредила кисть правой руки, но с годами смогла работать ей как ранее. В 1895 с А.Г. Явленским переехала в Мюнхен, где познакомилась с Штуком, Кандинским, Ленбахом. Под влиянием которых начала работать в стиле экспрессионизма. Выставлялась вместе с группой «Синий Всадник»(1912), вставила свои работы на первом немецком осеннем салоне (1913).

Зинаида Серебрякова (1884-1967)

происходила из известного рода представителей разнообразных творческих профессий — Бенуа-Лансере, сама была замужем и имела детей, при этом сумела оставить не малый след в живописи. Безусловно, здесь немаловажным аспектом является то, что в дворянских семьях того времени навыкам рисовать, музицировать, писать и декламировать стихи обучали с раннего детства и практически все образованные дамы того времени в-принципе неплохо рисовали. Зинайда Серебрякова, очевидно, также имела определенную протекцию благодаря связям своих родственников. Тем не менее, Серебрякова является одной из самых талантливых и известных российских художниц. Она одинаково сильно воплощает в себе оба начала: тонкую чувственную женскую натуру и художника, четко знающего, что он делает и почему.

Наталья Гончарова (1981 – 1962)

Как и Зинаида Серебрякова принадлежала к знатному дворянскому роду. Она была правнучатой племянницей А. С. Пушкина по линии жены поэта Натальи Гончаровой. В отличие от Серебряковой, Гончарова не была замечена в особой склонности к рисованию. Тем не менее, с детства увлекалась созданием чего-нибудь своими руками. Возможно, поэтому ее творческий путь развивался в стиле модерн, ее тяга к декоратизму, примитивизму четко видна в ее работах. Кстати, она была одной из первых среди европейских художников обратившей внимание на технику коллажа. Художницей Гончарову вдохновил стать будущий муж М.Ф. Ларионов, с которым они познакомились во время учебы в училище. Он вдохновлял ее на многочисленные творческие поиски, какое-то время она работала в разработанном им же стиле лучизме. Тем не менее, будучи замужем за Ларионовым, Гончарова вряд ли уступала ему в мастерстве живописи, заняв свое особое место в истории искусства.

Фрида Кало (1907 – 1954),

Одна из самых известных женщин-художников. В данном случае, как и с Гончаровой, первоначально ее талант помог раскрыть, к тому времени уже известный и состоявшийся художник Диего Ривера, в последствие ставший ее мужем. Однако в известности Кало во многом превзошла своего учителя и мужа. Ривера признавался впоследствии, что несмотря ни на что, творчество Фриды сразило его с первого раза и на всю жизнь. Как известно Фрида Кало не могла иметь детей после катастрофы, в которую попала в юности. Эта же катастрофа, приковавшая ее на многие месяцы к кровати, способствовала ее все большему увлечению живописью и выработала ее особую, ни с чем несравнимую трагически-тяжелую манеру живописи. Душевная трагедия Фриды, как женщины, которой, несмотря на большое уважение, всю жизнь приносил страдания и сам Диего Ривера, известный ловелас, определила ее триумф как художницы. Сложно представить, каким было бы творчество Фриды и принесло бы оно ей такой же успех, если бы не ее тяжелая женская доля.

Вера Мухина (1989 – 1953)

Величайший скульптор ХХ столетия. Одно из ее главных произведений скульптура «рабочий и колхозница» созданное для всемирной выставки в Париже 1937, навсегда останется одним из визуальных образов советского союза. С 1947 года скульптура является эмблемой киностудии «Мосфильм». Вера Мухина стала лауреатом пяти Сталинских премий. И все же на самом деле ее творчество гораздо более относится к искусству и наследию модерна, нежели социалистического реализма. Кстати, именно дизайну Веры Мухиной относят знаменитый граненый стакан.

Луиз Буржуа (1911 – 2010)

за свою долгую жизнь прошла огромный творческий путь, охватывающий разные стили, направления и техники. Ее в равной степени можно назвать и живописцем и скульптором. Она работала и в фигуративной технике и в технике абстрактной. Однако все ее произведения одинаково пропитаны женскими переживаниями и страхами, от которых она пыталась избавиться своим творчеством. Наиболее всего она, наверное, запомнится многочисленными скульптурами пауков, которых боялась с детства. А также своими художественными концепциями, отражающими во многом женские проблемы – сексуальное насилие, жестокость и непонимание. Вот уж кого больше всего можно назвать феминисткой в живописи так это Луиз Буржуа — один из символов женского начала в традиционно мужском художественном сообществе первой половины ХХ века.

Трэйси Эмин (род. 1963)

представительница течения Молодых Британских Художников, обладательница премии Тернера (1999), в своем творчестве также как и Луиз Буржуа открыто выражает сексуальный контекст и феминистские настроения. Славу ей принесла телепрограмма, посвященная премии Тернера, на которую Трэйси завалилась в усмерть пьяная. Эпатаж, должно быть, занимает важное место в ее творчестве – секс и мастурбация в рисунках, использованные презервативы и женские тампоны в инсталляциях . Все это вызывало шквал негодования в Британии и во всем мире, однако судя по всему для художницы это всего лишь способ обратить внимание на несправедливую со стороны природы и мужчин женскую долю.

Безусловно, лишь этими именами список выдающихся женщин-художниц не ограничивается. Тем не менее, можно наглядно проследить. чем ближе к сегодняшему дню, тем свободнее женщины-художники выражают свои исключительно женские настроения и переживания. В тоже время сегодня их количество становится все больше. Без стеснения женщины начинают выражать свои чувства и протесты, в том числе через искусство.